Conoce a Julia Rosa Sosa

Julia Rosa Sosa es una artista y narradora originaria de Ciudad Juárez y El Paso, Texas. Actualmente reside en Cleveland, OH, y es una orgullosa ex-alumna de la Universidad de Texas en El Paso, donde estudió Teatro y Sociología.

La especialidad de Julia es el teatro, la música y la narración. A través de su trabajo, explora la magia de ser ordinario y hace hincapié en cómo cada individuo tiene historias impactantes que compartir. Julia, que creció en un lugar peligroso e inestable, se esfuerza por transmitir mensajes de esperanza a su público, aunque a veces sus espectáculos sean desgarradores.

En 2020, Julia recibió el premio Julia de Burgos Cultural Art Center and Cuyahoga Arts and Culture In-house Residency, que le permitió producir el estreno en EE.UU. de Valentina y la Sombra del Diablo. Esta obra infantil enseña a los niños sobre el consentimiento y la revelación del abuso sexual. Además, Julia participó en el laboratorio de aprendizaje de Cuyahoga Arts and Culture y el Center for Performance and Civic Practice en colaboración con Esperanza, Inc. En este proyecto, trabajó con un grupo de estudiantes latinoamericanos que viven en Estados Unidos, recopilando y compartiendo sus opiniones sobre diversos temas, como estilo de vida, educación, familia, identidad, aficiones, pasiones y cómo es vivir durante una pandemia. Este podcast sirve también como cápsula del tiempo, reflejando el presente y preservándolo para las generaciones futuras.

Julia ha contribuido con sus habilidades como compositora y vocalista al desarrollo de dos álbumes para el proyecto musical Lunatic. Además, ha actuado al otro lado de la frontera y binacionalmente durante la activación de la ventana Maelstrom Collective Arts en 2022.

Además de actuar, Julia también ha trabajado como directora de teatro independiente, habiendo dirigido y asistido a espectáculos en Oregón, Colorado, Arkansas, Cleveland, Nueva York y Ohio. Su obra, El Toro y la Nina, se estrenó como obra radiofónica en el ReUnion rEvolucion | a Latinx new works Fest en 2020.

En general, el trabajo de Julia Rosa Sosa como intérprete y narradora busca compartir historias impactantes que dejen una impresión duradera en su público. Ya sea a través del teatro, la música o los podcasts, se dedica a explorar la belleza de lo ordinario y la resistencia del espíritu humano.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: El Romántico

Conozca a Linda Zolten Wood

Linda Zolten Wood aúna arte y sostenibilidad para crear soluciones a los problemas medioambientales y concienciar sobre soluciones prácticas a nuestro clima cambiante, al tiempo que crea belleza en nuestras comunidades. Los barriles de lluvia ayudan a mantener la contaminación fuera del lago Erie y del río Cuyahoga, y nos dan agua de lluvia gratis para los jardines, el cuidado del jardín e incluso el lavado de coches.

LZW, licenciada por el Cleveland Institute of Art, se animó a embellecer estos feos y grandes trozos de plástico aplicando sus conocimientos de pintura mural para mejorar su aceptación general y ampliar su uso. En 2012 creó el proyecto Collinwood Painted Rain Barrel Project. Zolten Wood, subvencionada por el Distrito Regional de Alcantarillado del Noreste de Ohio, Neighborhood Connections, Community Partnership for Arts and Culture, quería que se celebraran los esfuerzos de Cleveland por conservar el agua, ya que el alcalde Jackson ha proporcionado aproximadamente 400 barriles gratuitos a todos los barrios de Cleveland durante los últimos diez años, lo que ha demostrado ser un programa popular. Su proyecto los embellecerá y fomentará su utilidad a largo plazo para las familias que más necesitan jardines.

Los talleres de arte reciclado de Zolten Wood están influenciados por los viajes a la India, que practica una ética nacional de "no desperdicio", donde prácticamente todo se repara o reutiliza de alguna manera: La conservación como práctica cotidiana y cultura a largo plazo. Nos beneficiamos de reparar y recrear objetos para convertirlos en nuevos objetos útiles u obras de arte que embellecen nuestros espacios. Nuestros vertederos necesitan frenar su crecimiento y nosotros revisar nuestros hábitos de consumo. El upcycling es una herramienta útil para que las comunidades ordenen y compartan entre sí.

Estos proyectos se han llevado a escuelas, bibliotecas, clubes de jardinería y mercados de agricultores en el marco de programas educativos para ayudar a las comunidades a embellecer sus jardines y hogares con barriles pintados y obras de arte reutilizadas. La reducción de las aguas pluviales y de los vertederos beneficia a nuestras vías fluviales, a la fauna y a los recursos de agua potable, y el arte mejora nuestra calidad de vida. Su filosofía "Arte para todos" ofrece creatividad a cualquiera que quiera intentarlo, independientemente de su economía o educación: Ella ha experimentado la curación de las Artes en todos los ámbitos de su vida.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Artes sostenibles con Zolten Wood Design y Collinwood Painted Rain Barrel Project

Conoce a Dale Goode

Dale A. Goode es un artista y educador artístico afincado en Cleveland. Trabaja principalmente con fotografía, collage de técnica mixta y escultura. Se licenció en Bellas Artes por el Hiram College y cursó estudios de posgrado en la Kent State University. Durante los últimos 40 años, Goode ha expuesto su obra en todo el Medio Oeste. Su obra forma parte de varias colecciones de empresas, universidades e instituciones, como el Museo de Arte de Akron, el Hospital Universitario de Cleveland, el Hiram College y The Dalad Group. Ha sido seleccionado como uno de los artistas internacionales que participarán en la Trienal Internacional Front y ha recibido una beca de la Spaces Art Gallery.

El objetivo principal del Sr. Goode es poner de relieve los problemas y la belleza de la comunidad que representa y de las personas que comparten esa comunidad. Sus esculturas, pinturas y grabados reflejan su forma de ver el mundo y su deseo de que los demás también la vean. Sus obras más recientes llevan el nombre de RAW VISION, obras que contrastan lo que vemos y lo que llamamos. Mujeres, Violencia Domestica, Belleza, y Basura, todas han sido vistas en exhibiciones locales y fuera de Cleveland en los ultimos 2 años.

Good se centra ahora en la violencia doméstica. Piensa en la violencia doméstica y se pregunta cuánta sale de nuestros hogares a las calles de nuestras ciudades, donde estalla en las relaciones poco preparadas que mantenemos en nuestra comunidad. Los patrones que creamos a través del comportamiento y el lenguaje conforman nuestro hogar tanto como el entorno físico de puertas, ventanas, muebles y vestuario. Su obra artística lo refleja en la construcción de esculturas y en la forma en que utiliza objetos como zapatos, bolsos y puertas para crear una comprensión simbólica de esta epidemia de violencia.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: La violencia doméstica no es bonita

Conoce a Mary Kay Thomas

Mary Kay Thomas ha practicado el arte durante toda su vida, influida por las mujeres de su familia que se han dedicado a diversas disciplinas artísticas durante varias generaciones. Aunque tiene experiencia en joyería y metalistería, grabado y dibujo, Mary se centra principalmente en la pintura al óleo y acrílica basada en la fotografía como medio para captar la esencia de los recuerdos.

Su inspiración nace de las experiencias, las personas y los momentos que han contribuido a forjar su identidad, que ella trata de inmortalizar en sus obras de arte. Cada obra es un regalo para las generaciones futuras y un tributo a la herencia artística de su familia. La familia de Mary le sirve de musa, y ella emplea una paleta vibrante y expresiva para celebrar el rico tejido cultural de Cleveland, profundamente arraigado en su linaje y conectado con la historia más amplia de África.

Tras sobrevivir a la rotura de un aneurisma cerebral, Mary tiene la profunda convicción de que, aunque la vida puede ser frágil, la curación llega a través de la expresión y el homenaje a lo que se aprecia. Su práctica artística va más allá del ámbito personal y encuentra también su lugar en la comunidad. Como educadora artística, el trabajo de Mary se nutre de su interacción con personas de todas las edades, lo que la expone a diversos puntos de vista y enriquece su proceso creativo.

Mary colabora activamente con las comunidades artísticas de Cleveland, como Zygote Press y CAN Journal, lo que refuerza aún más sus lazos con las ciudades de Cleveland y East Cleveland. Además, ha iniciado su propio proyecto de arte público, The U and I of Euclid Ave, a Gateway to East Cleveland, y ha colaborado con organizaciones de servicios como Food Strong. A través de estos esfuerzos, Mary pretende fomentar una conexión más fuerte con su comunidad y utilizar el arte como medio de inspiración, estímulo, empoderamiento y curación.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: U & I de Euclid Avenue

Conozca a Georgio Sabino

Artista visual multidisciplinar, fotógrafa, diseñadora, autora y educadora muy aclamada; "He fomentado las conexiones con pioneros empresariales para construir y desarrollar nuevos talentos y obras de arte".

Dos veces fotógrafo oficial en La Casa Blanca por invitación del Presidente Obama, Dos Campeones Nacionales, actual director en Hector Vega Studio. Georgio Sabino III sigue creando magia constantemente. Virginia Marti, Ursuline College, Cuyahoga Community colleges, Cleveland Entertainment Coalition, the Visit y numerosas organizaciones comunitarias han surgido bajo el compromiso y el servicio de Georgio como principal visionario y estratega de primer orden. Su arte digital busca líneas dramáticas empujando colores vibrantes pero representando un fuerte contraste entre las imágenes de cada obra de arte. Artista experimentado, empresario y educador con participación actual en la comunidad profesional de las artes y los negocios, fomenta las conexiones en la vida real con pioneros empresariales para crear y desarrollar nuevos talentos y con un enfoque colaborativo para crear nuevas obras de arte.

El arte, las fotografías y el trabajo de diseño gráfico de Sabino transmiten identidades polirrítmicas que luchan por ser escuchadas, pero sobre todo por ser vistas. Al concentrarse en los principios del diseño, transmite una profunda comprensión de la relación entre las artes visuales y el futuro del arte, pero añadiendo el siguiente nivel de realidad aumentada para demostrar que no hay límites. Sabino afirma: "He creado un arte que estimula la imaginación y desafía al intelecto utilizando el arte y la tecnología. El espectador puede explorar, descubrir y desvelar sus identidades polirrítmicas a través del arte y el espacio".

Georgio Sabino III es un hombre con muchos talentos. Es diseñador de moda, artista y un auténtico visionario en el mundo de la moda y el arte. Nació en un pequeño pueblo de Ohio y desde muy joven supo que quería crear cosas bellas.

De niño, Georgio solía dibujar diseños de ropa y accesorios en su cuaderno. Sus padres reconocieron su talento y le animaron a perseguir su pasión. Le matricularon en una prestigiosa escuela de moda (Kent State University), donde perfeccionó sus habilidades y desarrolló su estilo único. Tras graduarse, Georgio se trasladó a Nueva York, la capital mundial de la moda. Allí se convirtió en empresario y aprendió todo lo que pudo sobre el sector. Pronto puso en marcha su propio negocio de fotografía de moda (en Cleveland, Ohio), "GS3 Art, Fashion & Photography", que rápidamente se convirtió en un nombre muy conocido.

Su arte y su moda eran una fusión de estilos clásico y contemporáneo, con un toque de excentricidad. Era conocido por su uso de colores llamativos, sedas pintadas a mano y tejidos poco convencionales, que le diferenciaban de otros diseñadores. También incorporaba elementos artísticos a sus colecciones, colaborando a menudo con artistas para crear piezas únicas.

Los desfiles de Georgio son siempre un espectáculo, con modelos que desfilan por la pasarela luciendo piezas escultóricas que son tanto arte como moda. Su sueño es que sus diseños los lleven celebridades, miembros de la realeza y personas influyentes del mundo de la moda, y GS3 ha aparecido en revistas y redes sociales.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Serie Jungla Artística

Póngase en contacto con Georgio: gsabino3@gmail.com

Conozca a Natasha Herbert

Mientras que algunos van a la escuela para aprender un oficio, otros tienen una habilidad aguda y natural para hacerlo. Esto último describe a los artistas que nacen con un talento intrínseco, lo que define a Natasha Lehuanani Herbert. Su joven vida dedicada a perfeccionar sus habilidades en el dibujo, como vía de escape a una infancia problemática en el centro de la ciudad de Cleveland, se convirtió en una pasión por la creación. La necesidad de materializar sus deseos artísticos la llevó a licenciarse en Medios Digitales por la Universidad Estatal de Michigan. Al iniciar su carrera como fotógrafa profesional, realizó una plétora de impresionantes bodas, retratos y trabajos callejeros. Los retratos de boda de Herbert han aparecido en numerosas publicaciones de renombre como Essence, Huffington Post y Glamour Magazine.

En 2022 recibió el premio Allen E. Cole Excellence in Photojournalism de la Western Reserve Historical Society. Herbert siempre ha utilizado la fotografía como válvula de escape para aliviar las tensiones de su entorno. Al hacerlo, ha logrado mucho éxito y desea fomentar y retribuir a los jóvenes que crecen en las mismas circunstancias que ella padeció. El deseo de Herbert es inspirar a los jóvenes de los barrios pobres de Cleveland creando un programa práctico de fotografía. Este programa será una salida que proporcione una experiencia enriquecedora para que los jóvenes aprendan una nueva habilidad comercializable y adopten una afición positiva y creativa.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: The Avenue Cleveland

Natasha Herbert instruirá y dirigirá un programa de fotografía que hará especial hincapié en el uso técnico de una cámara DSLR. Enseñará a los jóvenes participantes a utilizar su ojo para conectar emocionalmente y les impulsará a producir imágenes que hablen y evoquen algún tipo de respuesta del espectador. El programa pondrá a prueba su creatividad y, al mismo tiempo, les enseñará todos los procesos de la fotografía. Por ejemplo, inspirarse en las películas utilizando el método de la regla de los tercios, aprender a utilizar correctamente la luz, componer sus tomas y tener la capacidad de cambiar sus ajustes en función del entorno. Al final del programa, los jóvenes habrán adquirido un conocimiento definitivo de la captura de momentos.

Además, al final del programa, los jóvenes tendrán que hacer fotos que tengan un trasfondo emocional. El reto consiste en hacer fotos sinceras que provoquen algún tipo de reacción en el público. Se inspirarán en la vida cotidiana y en escenas de películas. Al final del programa The Avenue, las fotos se imprimirán en papel de formato 13 x 19 y se organizará una exposición fotográfica para mostrar sus capturas. Herbert tiene previsto acudir a las regiones de la zona que considere más necesitadas, como East Cleveland, donde actualmente imparte clases en la Kenneth Clement Boys' Leadership Academy. Se repartirán folletos en las escuelas o instalaciones juveniles, como centros recreativos, con la descripción del programa de fotografía.

Además, la Kenneth Clement Boys Leadership Academy pretende crear un programa extraescolar para los alumnos de la escuela o un programa diurno entre semana en los centros recreativos. El proyecto en sí está muy cerca de casa para Natasha Herbert, porque creció en el barrio de Kinsman, a menudo plagado de violencia y sin oportunidades para los jóvenes. Quiere mostrar a los jóvenes que aquí hay más. Su objetivo es animar a los jóvenes a buscar y obtener el éxito a pesar de los factores de su entorno. Herbert ya tiene una amplia experiencia en la enseñanza de la fotografía a niños de 4º a 8º curso. Trabaja con 15 alumnos en la Kenneth Clement Boys Leadership Academy. Además, Herbert invierte y proporciona de forma independiente todos los suministros y materiales actuales, es decir, cámaras, objetivos e iluminación, para las clases que imparte. El programa de fotografía de Avenue Cleveland proporcionará un arte de exploración y, lo que es más importante, aportará luz a los jóvenes de estas comunidades que carecen de recursos.

Conozca a Baba Jubal Harris

El tambor africano habla, habla, se comunica con la voz de nuestros antepasados humanos. El tambor tiene una función que va más allá de marcar el tiempo. Los ritmos hablan, la voz del tambor forma un puente entre el reino espiritual ancestral y el reino humano. La forma musical se ajusta a las limitaciones y necesidades del tiempo, momento a momento, día a día, mes a mes, año a año, siglo a siglo. La música es fluida y se ajusta al contenedor de los tiempos que la constriñen. El origen, la esencia y el espíritu ancestral sagrado de la expresión musical afroamericana están contenidos en un sentimiento que tiene el poder de trascender el dolor, la agonía, la miseria y transformar los malos sentimientos en buenos sentimientos en la encrucijada del destino. Hoy nos encontramos en un proceso de renacimiento polirrítmico global. Nuestros antepasados africanos sabían que los tambores polirrítmicos acompañados de voz e instrumentos musicales crean fenómenos vibracionales modales. La ciencia moderna ha redescubierto que los armónicos de propagación de ondas y los sobretonos armónicos crean patrones visuales de geometría sagrada. Es nuestra sagrada unidad humana dentro de la Fuente Divina de la Vida lo que nos da la victoria sobre aquellas fuerzas que se oponen a nuestra humanidad. Es nuestra música sagrada y nuestra palabra hablada la que tiene el poder de transformar lo malo en bueno y lo bueno en grande.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Círculo de tambores Heart Beat

Heartbeat Drum Circle es un encuentro único e inclusivo que reúne a tamborileros, bailarines, artistas, activistas sociales, líderes gubernamentales y empresariales, constructores de comunidades, sanadores y educadores. El objetivo principal de este colectivo es expresar alegría, amor y aprecio por el don de la vida a través del poder de las artes y el ritmo.

En Heartbeat Drum Circle, todas las personas participan en una experiencia artística holística y sostenible profundamente arraigada en la armonía rítmica. El sonido que creamos resuena con el latido del corazón humano, conectándonos a un nivel primario. La configuración de tamborileros y bailarines se orquesta cuidadosamente en un círculo que representa la unidad y la igualdad. Este círculo dinámico se equilibra cuidadosamente colocando a los participantes en puntos específicos, lo que permite el libre flujo de energía hiperdimensional.

El proyecto en sí implica el acto creativo de armonizar expresiones culturales divergentes, ya que entendemos que estos elementos diversos tienen el potencial de crear momentos de plenitud, especialmente en tiempos de gran incertidumbre. Heartbeat Drum Circle ha demostrado con éxito el poder de la cooperación comunitaria, uniendo a la gente de forma práctica y significativa.

La logística del proyecto es sencilla pero impactante. Impartimos talleres para que los líderes creen sus propios tambores de Samba/Siko, dotándoles de las herramientas necesarias para expresarse a través del ritmo. Los participantes también aprenden cuatro polirritmos básicos (con la oportunidad de aprender más a medida que avanzan). A continuación, se les anima a llevar lo que han aprendido a sus escuelas, organizaciones, clubes, etc., y a reclutar activamente a otras personas para que se unan a este movimiento rítmico.

Para culminar este viaje, los participantes asisten a un ensayo preliminar de Heartbeat Drum Circle con sus respectivos grupos, previo al evento principal de mayo de 2024. Este esfuerzo colectivo pretende abordar los problemas generalizados de violencia y miedo en nuestra comunidad. Nos esforzamos por llegar a aquellos que tienen miedo de ir al trabajo, a los lugares de culto, a la escuela o incluso de pasear por la calle debido a la tensión y el estrés imperantes causados por la violencia.

En este entorno, Heartbeat Drum Circle constituye una poderosa alternativa. Crea un espacio donde el respeto y el aprecio por la vida ocupan un lugar central, promoviendo el mensaje de "Tambores, no armas" y "Tambores, no drogas". Creemos firmemente que los tambores son instrumentos de creación masiva, que ofrecen una alternativa a la fuerza destructiva de las armas. Al participar en los talleres de Heartbeat Drum Circle, las personas aprenden a amarse a sí mismas a través del amor propio y la autodisciplina. Los tambores que crean se convierten en recordatorios personales y colectivos de estos principios, portadores del significado de nuestro propósito.

En última instancia, la importancia de Heartbeat Drum Circle reside en su capacidad para fomentar la unidad, sanar comunidades e inspirar cambios positivos. Es una llamada a la acción para que la gente reconozca y adopte el poder transformador de los tambores como instrumento de creación masiva, creando un camino hacia un mundo más pacífico y armonioso.

Contacto Babb: babajubal712824@gmail.com

Conoce a Benjamin Smith

Benjamin Smith es compositor, aficionado a la electrónica vintage y, en general, un artista aural y visual que sueña con el vaso medio lleno. Le encanta la música de videojuegos, los equipos analógicos de todo tipo y los viejos programas de televisión de la BBC, pero su pasión en la vida es conectar y relacionarse con la gente a través del arte y el sonido, especialmente con aquellos a los que normalmente no se les presentaría lo que a él le gusta llamar la "oportunidad de la colaboración comunitaria". Cree que la música es uno de los mayores instrumentos de camaradería, al margen del propio amor. Utiliza y crea dispositivos musicales analógicos y acústicos (tangibles), a veces olvidados, para aportar un enfoque práctico al "acercamiento", enseñando mientras se crea. Cree de verdad que el sonido de la música está en todas partes, y se esfuerza por capturarlo y compartirlo. Como persona de color, ha experimentado de primera mano lo importante que es ser visto y escuchado, así como ser aceptado como un individuo único, por lo que trata de enseñar que todo el mundo, no importa lo "diferente" que sea, debe ser tratado por igual y animado a dejar que su luz brille intensamente poniendo nuestras historias ahí fuera a través del vehículo de la música.

Todas las composiciones incluyen al menos un instrumento hecho a mano y están inspiradas en la experiencia afroamericana. Ben creció en California, pero su padre, militar y pastor, ha vivido en 16 estados diferentes, lo que le ha dado la capacidad de interactuar cómodamente con cualquier persona de cualquier condición social. Empezó a canalizar la música a los 15 años y a jugar con las artes visuales a los 10, construyendo "juguetes" con televisores de tubo desmontados y diversos equipos de audio.

Ben se trasladó a Cleveland tras el fallecimiento de su hermano mayor Chris. Desde entonces, ha creado y colaborado en varias obras de arte, como el Splice Cream Truck, la Riff Mechanics School For the Riffted y la exposición See Our Light Art, que actualmente se exhibe en la Biblioteca Pública de Glenville. Cada proyecto de arte en el que Ben se involucra siempre tiene un tema central de unir a la gente por cualquier medio (positivo) posible - que en última instancia culminó en su viaje de ida y vuelta de 4 días para comprar y recoger el Splice Cream Truck de Helena, Montana y conducir de vuelta más de 2000 millas a Cleveland sin dormir. Es un hombre entregado.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Serie de conciertos de ensueño del equipo Splice Cream Spliced

La serie Splice Cream Spliced Team Dream Concerts es una serie mensual de conciertos pop-up que consiste en tres conciertos de 3 horas para toda la familia. Estos conciertos tendrán lugar en la comunidad de Buckeye, concretamente frente al Trumpet Man en Art & Soul Park. El objetivo de la serie de conciertos es mostrar el talento de tres artistas diversos que no sólo proceden de la zona, sino que también representan a las comunidades circundantes. Las actuaciones abarcarán una amplia gama de géneros, desde el hip-hop hasta la música clásica, pasando por la poesía, el rock, el R&B y el country.

El objetivo principal del proyecto es reunir a un equipo de miembros creativos de la comunidad y proporcionarles una plataforma para que muestren su talento al público local. El público destinatario incluye a personas que quizá no hayan tenido la oportunidad de asistir a actuaciones en directo de determinados artistas musicales en locales tradicionales. Cada artista dispondrá de cuarenta y cinco minutos para actuar y lo hará de una forma única: en un camión de helados autónomo que hará las veces de escenario móvil. El camión de los helados estará equipado con luces, altavoces, una mesa de mezclas y micrófonos. Cuando llegue el momento del concierto, se bajará el escenario, se conectarán los altavoces y se encenderán las luces, preparando el terreno para una experiencia inolvidable.

El Splice Cream Truck, como se llama, va más allá de ser un simple camión de helados. Cuenta con un estudio de grabación totalmente analógico, lo que lo convierte en una herramienta para "empalmar" comunidades que históricamente han estado separadas por líneas de color y fronteras virtuales. El proyecto pretende conseguirlo grabando y compartiendo las historias de estas comunidades con otros grupos a los que antes no se podía acceder. Como incentivo por participar en las entrevistas, las personas recibirán un helado o un SPLICEE (una bebida parecida al Icee, si la máquina de Icee se instala según lo previsto), así como un "vinilo" de 45rpm in situ.

¡Los organizadores del proyecto tienen un sólido historial, ya que han colaborado anteriormente con más de 50 organizaciones diferentes y han participado en diversos actos, como FreedomFest, FRONT Block Party, IGNITE! Neighbor Nights y FreshFest Cleveland. Confían en que su presencia en la comunidad atraiga a un público considerable. Además, el proyecto pretende trabajar con otros músicos y artistas que han solicitado la subvención, con la intención de reunir a diferentes personas creativas, mostrar su talento y compensarles por sus servicios. Se pagará a cada artista inmediatamente después de su actuación, reconociendo así el reto que supone dedicarse a su pasión y conseguir financiación.

Los organizadores también están abiertos a colaboraciones con camiones de comida, artistas ambulantes y empresas. En cada concierto de la serie habrá tres sabores únicos de helado/splicees que representen el estilo de cada artista, y estas delicias se ofrecerán gratuitamente a los asistentes al concierto. La diversidad es un aspecto clave del proyecto, ya que pretende exponer a la comunidad diversos estilos y géneros musicales que no suelen estar representados en determinadas zonas. En los intervalos entre las actuaciones, se fomentará la tertulia y el debate mientras se disfruta de una delicia helada.

Toda la serie de conciertos se grabará en audio y vídeo. Además, se pondrá a disposición de los interesados una recopilación de las actuaciones para su descarga gratuita y streaming, y se producirá un disco de vinilo para conmemorar el proyecto. Estas grabaciones estarán disponibles en bibliotecas locales, centros de eventos y lugares de reunión de la comunidad. Además, cada participante recibirá un boleto para el sorteo de su propio disco recopilatorio.

Contacto Benjamin Smith : composersmith@gmail.com

Conozca a Julie Schabel

Todos estamos aquí para aprender. Wave Space es un estudio creativo dirigido por artistas en Lakewood, Ohio, propiedad de Julie Schabel. Su objetivo es ser accesible a la comunidad ofreciendo clases de arte gratuitas a las zonas de Cleveland que carecen de fondos suficientes y han recortado la programación artística en las escuelas. Después de haber enseñado clases de arte en las escuelas CMSD y hablando con los estudiantes en las clases, Julie ve una fuerte necesidad de más aprendizaje emocional social, especialmente en las artes, nuestras clases propuestas proporcionarán que para los estudiantes. Wave Space Talleres también se centrará en las habilidades para desarrollar su propio estilo creativo con proyectos de alta calidad y en profundidad la instrucción. La serigrafía es como magia para los niños. La cara que ponen cuando levantan la pantalla y ven la impresión transferida de la pantalla a la camiseta, la bolsa o el papel no tiene precio. Este proceso, así como otras técnicas de impresión y estarcido, son excelentes para fomentar el aprendizaje en grupo y las habilidades de pensamiento crítico.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Campamentos de verano Wave Space en CPL

Wave Space, un equipo de educadores y artistas, tiene previsto ofrecer gratuitamente talleres Wave Space de una semana de duración en las bibliotecas públicas de Cleveland de los barrios de Hough, Collinwood, Union Miles y Central Kinsman. El programa se centrará en el grabado, la creatividad y el aprendizaje de los elementos del diseño. Al final de cada semana, los estudiantes habrán completado un proyecto acumulativo, que se expondrá en la galería de arte de Human Heart Studios para mostrar el trabajo de los estudiantes.

Cada sesión de Wave Space durará una hora por la tarde, de 1 a 2 de agosto, o después del colegio, según el horario. El programa acogerá a un máximo de 15 estudiantes de 1º a 4º curso que podrán inscribirse en línea, en la biblioteca o a través de las redes sociales. La profesora principal del programa será Julie Schabel, que cuenta con 5 años de experiencia en la enseñanza de programas artísticos en la zona de Cleveland. Además, Wave Space contará con otro miembro del personal junto a Julie Schabel para ayudar y supervisar el proyecto.

Además, el programa documentará las clases captando fotografías de los alumnos. Se pedirá permiso a cada alumno firmando un formulario de autorización que incluirá información sobre Wave Space y Assembly for the Arts. Además, se realizarán evaluaciones antes y después de las clases para conocer el efecto de este programa en el desarrollo de las habilidades y el compromiso de los alumnos.

Una cita de la fundadora de Wave Space, Julie Schabel: "Los niños siempre me dicen que el arte es su clase favorita. Espero que los proyectos que creo permanezcan con los niños mientras crecen y aprenden valiosas lecciones vitales de sus experiencias artísticas. Intento guiar a los alumnos hacia un proyecto final en el que influyan su creatividad y sus ideas. A veces el resultado final es muy diferente de mi explicación inicial, pero el alumno acaba desarrollando su propio estilo a través de este proceso, así que lo animo. Enseño a los alumnos artistas que normalmente no conocen en la escuela o en una visita a un museo. Creo que utilizar ejemplos contemporáneos más accesibles les ayuda a conectar más con el proyecto".

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Raíces: Danzas de México