Conozca a Natasha Herbert

Mientras que algunos van a la escuela para aprender un oficio, otros tienen una habilidad aguda y natural para hacerlo. Esto último describe a los artistas que nacen con un talento intrínseco, lo que define a Natasha Lehuanani Herbert. Su joven vida dedicada a perfeccionar sus habilidades en el dibujo, como vía de escape a una infancia problemática en el centro de la ciudad de Cleveland, se convirtió en una pasión por la creación. La necesidad de materializar sus deseos artísticos la llevó a licenciarse en Medios Digitales por la Universidad Estatal de Michigan. Al iniciar su carrera como fotógrafa profesional, realizó una plétora de impresionantes bodas, retratos y trabajos callejeros. Los retratos de boda de Herbert han aparecido en numerosas publicaciones de renombre como Essence, Huffington Post y Glamour Magazine.

En 2022 recibió el premio Allen E. Cole Excellence in Photojournalism de la Western Reserve Historical Society. Herbert siempre ha utilizado la fotografía como válvula de escape para aliviar las tensiones de su entorno. Al hacerlo, ha logrado mucho éxito y desea fomentar y retribuir a los jóvenes que crecen en las mismas circunstancias que ella padeció. El deseo de Herbert es inspirar a los jóvenes de los barrios pobres de Cleveland creando un programa práctico de fotografía. Este programa será una salida que proporcione una experiencia enriquecedora para que los jóvenes aprendan una nueva habilidad comercializable y adopten una afición positiva y creativa.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: The Avenue Cleveland

Natasha Herbert instruirá y dirigirá un programa de fotografía que hará especial hincapié en el uso técnico de una cámara DSLR. Enseñará a los jóvenes participantes a utilizar su ojo para conectar emocionalmente y les impulsará a producir imágenes que hablen y evoquen algún tipo de respuesta del espectador. El programa pondrá a prueba su creatividad y, al mismo tiempo, les enseñará todos los procesos de la fotografía. Por ejemplo, inspirarse en las películas utilizando el método de la regla de los tercios, aprender a utilizar correctamente la luz, componer sus tomas y tener la capacidad de cambiar sus ajustes en función del entorno. Al final del programa, los jóvenes habrán adquirido un conocimiento definitivo de la captura de momentos.

Además, al final del programa, los jóvenes tendrán que hacer fotos que tengan un trasfondo emocional. El reto consiste en hacer fotos sinceras que provoquen algún tipo de reacción en el público. Se inspirarán en la vida cotidiana y en escenas de películas. Al final del programa The Avenue, las fotos se imprimirán en papel de formato 13 x 19 y se organizará una exposición fotográfica para mostrar sus capturas. Herbert tiene previsto acudir a las regiones de la zona que considere más necesitadas, como East Cleveland, donde actualmente imparte clases en la Kenneth Clement Boys' Leadership Academy. Se repartirán folletos en las escuelas o instalaciones juveniles, como centros recreativos, con la descripción del programa de fotografía.

Además, la Kenneth Clement Boys Leadership Academy pretende crear un programa extraescolar para los alumnos de la escuela o un programa diurno entre semana en los centros recreativos. El proyecto en sí está muy cerca de casa para Natasha Herbert, porque creció en el barrio de Kinsman, a menudo plagado de violencia y sin oportunidades para los jóvenes. Quiere mostrar a los jóvenes que aquí hay más. Su objetivo es animar a los jóvenes a buscar y obtener el éxito a pesar de los factores de su entorno. Herbert ya tiene una amplia experiencia en la enseñanza de la fotografía a niños de 4º a 8º curso. Trabaja con 15 alumnos en la Kenneth Clement Boys Leadership Academy. Además, Herbert invierte y proporciona de forma independiente todos los suministros y materiales actuales, es decir, cámaras, objetivos e iluminación, para las clases que imparte. El programa de fotografía de Avenue Cleveland proporcionará un arte de exploración y, lo que es más importante, aportará luz a los jóvenes de estas comunidades que carecen de recursos.

Conozca a Baba Jubal Harris

El tambor africano habla, habla, se comunica con la voz de nuestros antepasados humanos. El tambor tiene una función que va más allá de marcar el tiempo. Los ritmos hablan, la voz del tambor forma un puente entre el reino espiritual ancestral y el reino humano. La forma musical se ajusta a las limitaciones y necesidades del tiempo, momento a momento, día a día, mes a mes, año a año, siglo a siglo. La música es fluida y se ajusta al contenedor de los tiempos que la constriñen. El origen, la esencia y el espíritu ancestral sagrado de la expresión musical afroamericana están contenidos en un sentimiento que tiene el poder de trascender el dolor, la agonía, la miseria y transformar los malos sentimientos en buenos sentimientos en la encrucijada del destino. Hoy nos encontramos en un proceso de renacimiento polirrítmico global. Nuestros antepasados africanos sabían que los tambores polirrítmicos acompañados de voz e instrumentos musicales crean fenómenos vibracionales modales. La ciencia moderna ha redescubierto que los armónicos de propagación de ondas y los sobretonos armónicos crean patrones visuales de geometría sagrada. Es nuestra sagrada unidad humana dentro de la Fuente Divina de la Vida lo que nos da la victoria sobre aquellas fuerzas que se oponen a nuestra humanidad. Es nuestra música sagrada y nuestra palabra hablada la que tiene el poder de transformar lo malo en bueno y lo bueno en grande.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Círculo de tambores Heart Beat

Heartbeat Drum Circle es un encuentro único e inclusivo que reúne a tamborileros, bailarines, artistas, activistas sociales, líderes gubernamentales y empresariales, constructores de comunidades, sanadores y educadores. El objetivo principal de este colectivo es expresar alegría, amor y aprecio por el don de la vida a través del poder de las artes y el ritmo.

En Heartbeat Drum Circle, todas las personas participan en una experiencia artística holística y sostenible profundamente arraigada en la armonía rítmica. El sonido que creamos resuena con el latido del corazón humano, conectándonos a un nivel primario. La configuración de tamborileros y bailarines se orquesta cuidadosamente en un círculo que representa la unidad y la igualdad. Este círculo dinámico se equilibra cuidadosamente colocando a los participantes en puntos específicos, lo que permite el libre flujo de energía hiperdimensional.

El proyecto en sí implica el acto creativo de armonizar expresiones culturales divergentes, ya que entendemos que estos elementos diversos tienen el potencial de crear momentos de plenitud, especialmente en tiempos de gran incertidumbre. Heartbeat Drum Circle ha demostrado con éxito el poder de la cooperación comunitaria, uniendo a la gente de forma práctica y significativa.

La logística del proyecto es sencilla pero impactante. Impartimos talleres para que los líderes creen sus propios tambores de Samba/Siko, dotándoles de las herramientas necesarias para expresarse a través del ritmo. Los participantes también aprenden cuatro polirritmos básicos (con la oportunidad de aprender más a medida que avanzan). A continuación, se les anima a llevar lo que han aprendido a sus escuelas, organizaciones, clubes, etc., y a reclutar activamente a otras personas para que se unan a este movimiento rítmico.

Para culminar este viaje, los participantes asisten a un ensayo preliminar de Heartbeat Drum Circle con sus respectivos grupos, previo al evento principal de mayo de 2024. Este esfuerzo colectivo pretende abordar los problemas generalizados de violencia y miedo en nuestra comunidad. Nos esforzamos por llegar a aquellos que tienen miedo de ir al trabajo, a los lugares de culto, a la escuela o incluso de pasear por la calle debido a la tensión y el estrés imperantes causados por la violencia.

En este entorno, Heartbeat Drum Circle constituye una poderosa alternativa. Crea un espacio donde el respeto y el aprecio por la vida ocupan un lugar central, promoviendo el mensaje de "Tambores, no armas" y "Tambores, no drogas". Creemos firmemente que los tambores son instrumentos de creación masiva, que ofrecen una alternativa a la fuerza destructiva de las armas. Al participar en los talleres de Heartbeat Drum Circle, las personas aprenden a amarse a sí mismas a través del amor propio y la autodisciplina. Los tambores que crean se convierten en recordatorios personales y colectivos de estos principios, portadores del significado de nuestro propósito.

En última instancia, la importancia de Heartbeat Drum Circle reside en su capacidad para fomentar la unidad, sanar comunidades e inspirar cambios positivos. Es una llamada a la acción para que la gente reconozca y adopte el poder transformador de los tambores como instrumento de creación masiva, creando un camino hacia un mundo más pacífico y armonioso.

Contacto Babb: babajubal712824@gmail.com

Conoce a Benjamin Smith

Benjamin Smith es compositor, aficionado a la electrónica vintage y, en general, un artista aural y visual que sueña con el vaso medio lleno. Le encanta la música de videojuegos, los equipos analógicos de todo tipo y los viejos programas de televisión de la BBC, pero su pasión en la vida es conectar y relacionarse con la gente a través del arte y el sonido, especialmente con aquellos a los que normalmente no se les presentaría lo que a él le gusta llamar la "oportunidad de la colaboración comunitaria". Cree que la música es uno de los mayores instrumentos de camaradería, al margen del propio amor. Utiliza y crea dispositivos musicales analógicos y acústicos (tangibles), a veces olvidados, para aportar un enfoque práctico al "acercamiento", enseñando mientras se crea. Cree de verdad que el sonido de la música está en todas partes, y se esfuerza por capturarlo y compartirlo. Como persona de color, ha experimentado de primera mano lo importante que es ser visto y escuchado, así como ser aceptado como un individuo único, por lo que trata de enseñar que todo el mundo, no importa lo "diferente" que sea, debe ser tratado por igual y animado a dejar que su luz brille intensamente poniendo nuestras historias ahí fuera a través del vehículo de la música.

Todas las composiciones incluyen al menos un instrumento hecho a mano y están inspiradas en la experiencia afroamericana. Ben creció en California, pero su padre, militar y pastor, ha vivido en 16 estados diferentes, lo que le ha dado la capacidad de interactuar cómodamente con cualquier persona de cualquier condición social. Empezó a canalizar la música a los 15 años y a jugar con las artes visuales a los 10, construyendo "juguetes" con televisores de tubo desmontados y diversos equipos de audio.

Ben se trasladó a Cleveland tras el fallecimiento de su hermano mayor Chris. Desde entonces, ha creado y colaborado en varias obras de arte, como el Splice Cream Truck, la Riff Mechanics School For the Riffted y la exposición See Our Light Art, que actualmente se exhibe en la Biblioteca Pública de Glenville. Cada proyecto de arte en el que Ben se involucra siempre tiene un tema central de unir a la gente por cualquier medio (positivo) posible - que en última instancia culminó en su viaje de ida y vuelta de 4 días para comprar y recoger el Splice Cream Truck de Helena, Montana y conducir de vuelta más de 2000 millas a Cleveland sin dormir. Es un hombre entregado.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Serie de conciertos de ensueño del equipo Splice Cream Spliced

La serie Splice Cream Spliced Team Dream Concerts es una serie mensual de conciertos pop-up que consiste en tres conciertos de 3 horas para toda la familia. Estos conciertos tendrán lugar en la comunidad de Buckeye, concretamente frente al Trumpet Man en Art & Soul Park. El objetivo de la serie de conciertos es mostrar el talento de tres artistas diversos que no sólo proceden de la zona, sino que también representan a las comunidades circundantes. Las actuaciones abarcarán una amplia gama de géneros, desde el hip-hop hasta la música clásica, pasando por la poesía, el rock, el R&B y el country.

El objetivo principal del proyecto es reunir a un equipo de miembros creativos de la comunidad y proporcionarles una plataforma para que muestren su talento al público local. El público destinatario incluye a personas que quizá no hayan tenido la oportunidad de asistir a actuaciones en directo de determinados artistas musicales en locales tradicionales. Cada artista dispondrá de cuarenta y cinco minutos para actuar y lo hará de una forma única: en un camión de helados autónomo que hará las veces de escenario móvil. El camión de los helados estará equipado con luces, altavoces, una mesa de mezclas y micrófonos. Cuando llegue el momento del concierto, se bajará el escenario, se conectarán los altavoces y se encenderán las luces, preparando el terreno para una experiencia inolvidable.

El Splice Cream Truck, como se llama, va más allá de ser un simple camión de helados. Cuenta con un estudio de grabación totalmente analógico, lo que lo convierte en una herramienta para "empalmar" comunidades que históricamente han estado separadas por líneas de color y fronteras virtuales. El proyecto pretende conseguirlo grabando y compartiendo las historias de estas comunidades con otros grupos a los que antes no se podía acceder. Como incentivo por participar en las entrevistas, las personas recibirán un helado o un SPLICEE (una bebida parecida al Icee, si la máquina de Icee se instala según lo previsto), así como un "vinilo" de 45rpm in situ.

¡Los organizadores del proyecto tienen un sólido historial, ya que han colaborado anteriormente con más de 50 organizaciones diferentes y han participado en diversos actos, como FreedomFest, FRONT Block Party, IGNITE! Neighbor Nights y FreshFest Cleveland. Confían en que su presencia en la comunidad atraiga a un público considerable. Además, el proyecto pretende trabajar con otros músicos y artistas que han solicitado la subvención, con la intención de reunir a diferentes personas creativas, mostrar su talento y compensarles por sus servicios. Se pagará a cada artista inmediatamente después de su actuación, reconociendo así el reto que supone dedicarse a su pasión y conseguir financiación.

Los organizadores también están abiertos a colaboraciones con camiones de comida, artistas ambulantes y empresas. En cada concierto de la serie habrá tres sabores únicos de helado/splicees que representen el estilo de cada artista, y estas delicias se ofrecerán gratuitamente a los asistentes al concierto. La diversidad es un aspecto clave del proyecto, ya que pretende exponer a la comunidad diversos estilos y géneros musicales que no suelen estar representados en determinadas zonas. En los intervalos entre las actuaciones, se fomentará la tertulia y el debate mientras se disfruta de una delicia helada.

Toda la serie de conciertos se grabará en audio y vídeo. Además, se pondrá a disposición de los interesados una recopilación de las actuaciones para su descarga gratuita y streaming, y se producirá un disco de vinilo para conmemorar el proyecto. Estas grabaciones estarán disponibles en bibliotecas locales, centros de eventos y lugares de reunión de la comunidad. Además, cada participante recibirá un boleto para el sorteo de su propio disco recopilatorio.

Contacto Benjamin Smith : composersmith@gmail.com

Conozca a Julie Schabel

Todos estamos aquí para aprender. Wave Space es un estudio creativo dirigido por artistas en Lakewood, Ohio, propiedad de Julie Schabel. Su objetivo es ser accesible a la comunidad ofreciendo clases de arte gratuitas a las zonas de Cleveland que carecen de fondos suficientes y han recortado la programación artística en las escuelas. Después de haber enseñado clases de arte en las escuelas CMSD y hablando con los estudiantes en las clases, Julie ve una fuerte necesidad de más aprendizaje emocional social, especialmente en las artes, nuestras clases propuestas proporcionarán que para los estudiantes. Wave Space Talleres también se centrará en las habilidades para desarrollar su propio estilo creativo con proyectos de alta calidad y en profundidad la instrucción. La serigrafía es como magia para los niños. La cara que ponen cuando levantan la pantalla y ven la impresión transferida de la pantalla a la camiseta, la bolsa o el papel no tiene precio. Este proceso, así como otras técnicas de impresión y estarcido, son excelentes para fomentar el aprendizaje en grupo y las habilidades de pensamiento crítico.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Campamentos de verano Wave Space en CPL

Wave Space, un equipo de educadores y artistas, tiene previsto ofrecer gratuitamente talleres Wave Space de una semana de duración en las bibliotecas públicas de Cleveland de los barrios de Hough, Collinwood, Union Miles y Central Kinsman. El programa se centrará en el grabado, la creatividad y el aprendizaje de los elementos del diseño. Al final de cada semana, los estudiantes habrán completado un proyecto acumulativo, que se expondrá en la galería de arte de Human Heart Studios para mostrar el trabajo de los estudiantes.

Cada sesión de Wave Space durará una hora por la tarde, de 1 a 2 de agosto, o después del colegio, según el horario. El programa acogerá a un máximo de 15 estudiantes de 1º a 4º curso que podrán inscribirse en línea, en la biblioteca o a través de las redes sociales. La profesora principal del programa será Julie Schabel, que cuenta con 5 años de experiencia en la enseñanza de programas artísticos en la zona de Cleveland. Además, Wave Space contará con otro miembro del personal junto a Julie Schabel para ayudar y supervisar el proyecto.

Además, el programa documentará las clases captando fotografías de los alumnos. Se pedirá permiso a cada alumno firmando un formulario de autorización que incluirá información sobre Wave Space y Assembly for the Arts. Además, se realizarán evaluaciones antes y después de las clases para conocer el efecto de este programa en el desarrollo de las habilidades y el compromiso de los alumnos.

Una cita de la fundadora de Wave Space, Julie Schabel: "Los niños siempre me dicen que el arte es su clase favorita. Espero que los proyectos que creo permanezcan con los niños mientras crecen y aprenden valiosas lecciones vitales de sus experiencias artísticas. Intento guiar a los alumnos hacia un proyecto final en el que influyan su creatividad y sus ideas. A veces el resultado final es muy diferente de mi explicación inicial, pero el alumno acaba desarrollando su propio estilo a través de este proceso, así que lo animo. Enseño a los alumnos artistas que normalmente no conocen en la escuela o en una visita a un museo. Creo que utilizar ejemplos contemporáneos más accesibles les ayuda a conectar más con el proyecto".

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Raíces: Danzas de México

Conozca a Shadi Ayoub

Shadi Ayoub creció en el seno de una familia de impresores en Beirut (Líbano), donde su familia era propietaria y regentaba una imprenta. Tras el fallecimiento de su padre, Shadi se hizo cargo del negocio familiar y amplió sus conocimientos técnicos en el manejo de imprentas antiguas. Al darse cuenta de la necesidad de compartir sus conocimientos y ofrecer a los demás la oportunidad de experimentar la impresión, Shadi empezó a hacer visitas guiadas a la imprenta, a organizar demostraciones y talleres y a enseñar tipografía en la Universidad Americana de Beirut.

En 2019, Shadi se mudó a Cleveland y fundó The 961 Collective, un estudio de impresión tipográfica y recurso educativo. Ha participado en organizaciones artísticas locales sin ánimo de lucro, como Zygote Press y Morgan Conservatory, y ha expuesto su trabajo en varias galerías y exposiciones. Shadi también ha sido un miembro activo de la comunidad artística, formando parte del consejo de Zygote Press y ofreciendo talleres y formación en The 961 Collective, el Morgan Conservatory y Zygote Press.

A través de una residencia artística y un aprendizaje con el maestro papelero Tom Balbo, Shadi ha explorado nuevas técnicas y ha ampliado los límites de lo que se puede lograr con la impresión tipográfica. Se dedica a elevar la artesanía y crear un espacio de colaboración para que los artistas se reúnan, impriman y aprendan juntos.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Imprimamos juntos

Después de organizar varias demostraciones públicas y talleres a nivel internacional y en Cleveland, pude comprobar de primera mano lo asombrada que se quedaba la gente después de revelar su propia huella, lo que iba acompañado de una enorme sonrisa y, a menudo, de un "¿puedo hacer otra?". Esto me hizo darme cuenta de lo importante que es para los miembros de la comunidad saber que esto fue una parte importante de nuestra historia, que todavía existe, ¡y que pueden hacerlo ellos mismos! La mayoría tenía poca o ninguna experiencia con la impresión y las posibilidades que podía ofrecer como medio, lo que fue el catalizador para solicitar el fondo para proyectos de impacto creativo. Imprimamos juntos" será una serie de tres demostraciones públicas de impresión abiertas y gratuitas a todo el mundo, que permitirán a los miembros de la comunidad realizar sus propias impresiones, llevarse impresiones gratuitas y participar en sesiones de preguntas y respuestas. El objetivo es que los participantes se diviertan y al mismo tiempo tengan la oportunidad de aprender un oficio tradicional y cómo puede utilizarse en su beneficio. Una de las sesiones tendrá lugar en The 961 Collective, el estudio de tipografía ubicado en el edificio Ingenuity Cleveland, en el barrio de St. Claire Superior. Las dos sesiones restantes serán sesiones móviles fuera de las instalaciones en colaboración con otras posibles organizaciones artísticas de los barrios que cumplan los requisitos, como Zygote Press (barrio de Asiatown) y Future Ink Graphics (barrio de Clark-Fulton). De este modo, tendremos un mayor impacto en tres comunidades diferentes, permitiendo a los miembros de esos barrios experimentar el poder de la impresión.

Las instalaciones del Colectivo 961 cuentan con varias máquinas para proyectos de impresión tipográfica, las prensas manuales son seguras y serán utilizadas por los participantes para hacer sus propias impresiones, mientras que las prensas automatizadas más grandes serán operadas por mí como una herramienta de demostración de lo que se utiliza para producciones comerciales de gran tirada. Los participantes aprenderán los conceptos básicos de la mezcla de tintas, las herramientas del oficio y cómo manejar la prensa manual para hacer su impresión, que se llevarán a casa. Los participantes también podrán ver muestras impresas de proyectos anteriores, algunos de los cuales son aplicaciones comerciales para clientes, mientras que otros son obras de arte de edición limitada, para mostrarles la versatilidad y la variedad del medio de impresión. Las dos sesiones móviles fuera de las instalaciones serán posibles gracias al uso de una pequeña prensa portátil Kelsey de 5×8, que ha sido una herramienta inestimable en las demostraciones para permitir a la gente experimentar la impresión sin necesidad de una gran prensa pesada.

Estas sesiones se celebrarán en colaboración con otras organizaciones y esperamos que tengan una mayor afluencia de público gracias a los esfuerzos combinados de marketing para lograr un mayor impacto en la comunidad. Habrá 1-3 artistas locales/voluntarios en cada evento que ayudarán a responder a cualquier pregunta que los participantes puedan tener y les guiarán en la realización de sus impresiones. Habrá algunos refrigerios durante estas sesiones y esperamos poder conseguir patrocinadores para aperitivos y/o comidas. A través de la formación, el ensayo y error, los talleres y las colaboraciones internacionales, me he dado cuenta de la necesidad y la importancia de compartir conocimientos en lo que respecta a la impresión tradicional. La información sobre estas técnicas tradicionales no es fácil de conseguir y es esencial seguir transmitiéndolas y creando interés en torno a ellas. Ya no se imparten clases de taller en las escuelas y los niños a menudo se pierden experiencias educativas prácticas. Dicho esto, estas sesiones también serán una gran oportunidad para todos los grupos de edad, una forma divertida de conocerse, mezclarse y aprender unos de otros.

Conoce a Adenike Harper

Adenike Harper, también conocida como la "Chica Gourmet", es la artista pastelera y propietaria de Gourmet Girl Custom Cakes. Autodidacta con 19 años de experiencia, cuenta historias con azúcar. Con el pastel como su lienzo y usted como su musa, Gourmet Girl se especializa en la curaduría de pasteles y postres dignos de una galería de arte que reflejan lo que te hace único a través del diseño de pasteles de alta costura. Gourmet Girl Custom Cakes ofrece a sus clientes o 'Gourmies' un proceso de creación único e íntimo de su 'historia de la tarta' destacando todo lo que aman y lo que les hace especiales para los recuerdos más dulces. Gourmet Girl se considera una pastelera heredera. Su madre y su abuela eran expertas pasteleras y ella procede de una larga línea de artesanos de diversas disciplinas. Aunque su historia personal no tiene tanto que ver con el diseño de una tarta en sí, sino más bien con cómo se convirtió en Gourmet Girl cuando su camino se desvió totalmente de la biología a la repostería. Gourmet Girl nació después de que Adenike decidiera cambiar de carrera, de forma imprevista y no planificada. Se licenció Summa Cum Laude en Biología con la intención de estudiar medicina. Pero tras el fallecimiento de su madre, empezó a hornear para distraer su mente del dolor y revivir los recuerdos de cuando su madre le enseñaba a hornear. La repostería la calmaba y le permitía canalizar su energía hacia la producción de algo positivo, visualmente agradable y delicioso.

Gracias a la repostería, a Dios y a la terapia, Adenike superó una época muy difícil de su vida y pudo prosperar gracias a la alegría que le proporcionaban la repostería y la decoración de pasteles. En asociación con un terapeuta licenciado, Gourmet Girl Custom Cakes desea crear un programa de tutoría para los jóvenes de Cleveland basado en la salud mental y el bienestar, que enseñe el arte de hornear y el arte visual del diseño de pasteles, que apoye y anime, y que celebre el legado y la herencia en la cocina y en la vida. Con el amor de Adenike por la enseñanza y 7 años de experiencia en la enseñanza de este programa de artes de tutoría será curar un programa que ayuda a los jóvenes a prosperar dentro y fuera de la cocina. El galardón más reciente de Adenike fue haber ganado la cohorte de impacto 16 de Jumpstart, Inc. en diciembre de 2022.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Peace of Cake

En asociación con un terapeuta licenciado, Gourmet Girl Custom Cakes ha creado un programa de tutoría para jóvenes de Cleveland que tiene sus raíces en la salud mental y el bienestar; enseña el arte de hornear y el arte visual del diseño de pasteles; apoya y anima; y celebra el legado y la herencia en la cocina y en la vida. Con el amor de Adenike por la enseñanza y 7 años de experiencia instructiva "A Peace of Cake" ayudará a los participantes a prosperar dentro y fuera de la cocina. El objetivo de "A Peace of Cake" es proporcionar a los jóvenes en edad escolar (de 12 a 17 años) una experiencia que utilice la repostería y la decoración de pasteles como salida (emocional) positiva, al tiempo que aprenden conceptos básicos de STEAM, nutrición y ciencia/arte culinario, espíritu empresarial e historia y cultura de la alimentación. Este programa conectará a los jóvenes con adultos afectuosos en relaciones de desarrollo en grupos pequeños para reducir el estrés, fomentar la autoexpresión y la resiliencia. Fomentar la mentalidad positiva / atención plena, mientras que el cultivo de la confianza. Las actividades del programa incluirán de 6 a 8 sesiones de horneado en grupos pequeños que permitirán la realización de proyectos individuales y grupales y la oportunidad de experimentar el éxito a través de la finalización de proyectos que resulten en una buena producción. Los participantes serán instruidos en los elementos fundamentales de la panadería a través de la creación de una gama de diversos postres, mientras que la participación en el grupo de discusión significativa que ayuda en la creación de un ambiente seguro y de apoyo que está libre de presión.

Conoce a Josh Maxwell

Josh Maxwell es un consumado artista científico y biofílico que explora las intersecciones entre el arte, la ciencia, la sostenibilidad y la armonía entre la humanidad y el mundo natural. Con un agudo sentido de cómo los entornos construidos afectan a la mente, el cuerpo y el espíritu, Josh explora los métodos y modos de reconectar nuestro yo y nuestras almas con el mundo natural a través de llamativas e impactantes muestras visuales que desafían el sentido del lugar, el espacio, la escala y la noción percibida de que la humanidad está separada de la naturaleza. El trabajo de Josh se centra en explorar la intersección del arte, la ciencia y la sostenibilidad, con especial énfasis en la armonía entre los seres humanos y el mundo natural. A través de su innovador uso mixto de medios como la pintura tradicional al óleo y acrílica, la escultura en madera y piedra, el diseño de exposiciones, los murales a gran escala y la arquitectura paisajística, Josh crea momentos de observación íntima y curiosidad caprichosa que inspiran la pausa y la reflexión. El trabajo de Josh fomenta una conciencia emocional más perspicaz de nuestro bienestar y el del mundo ecológico en el que incidimos. Al desafiar nuestra percepción del lugar, el espacio y la escala, crea una poderosa conexión entre el arte y la naturaleza, inspirando a los espectadores a conectar más profundamente con el mundo que les rodea. Josh ha colaborado con algunas de las instituciones y comunidades más notables en el campo de las ciencias naturales, como el Jardín Botánico de Cleveland, el Museo de Historia Natural de Cleveland, el zoológico Cleveland Metroparks, Cleveland Metroparks, Sustainable Cleveland, el Parque Estatal Kelley's Island, el Instituto Oceanográfico Woods Hole y la revista Edible Cleveland Magazine. Sus vanguardistas obras de arte informan, educan y atraen al público, ayudando a reconectar a las personas con el mundo natural.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Enraizado

La visión creativa del proyecto es producir una serie sobredimensionada de flora y fauna del barrio hiperlocal y de la profunda conexión que Slavic Village mantiene con las comunidades checa y polaca. Los especímenes incluirían plantas que los residentes ayudarían a identificar como parte esencial de su herencia para cosas como la cocina, las fiestas y la presencia del mundo natural que se encuentra en Polonia. La afinidad polaca por las hierbas tiene una larga historia, pero también está muy en sintonía con las ideas modernas de una vida sana y natural. Las hierbas son el tratamiento más antiguo que existe, y la medicina popular las ha utilizado en todo el mundo desde tiempos inmemoriales. En Polonia, los remedios tradicionales siempre han estado relacionados con los abundantes campos y bosques. Entre los posibles ejemplares para ilustrar estarían: Eneldo (koperek): su sabor aromático complementa muchos platos polacos. Se puede utilizar como guarnición de sopas y ensaladas, es ideal para los encurtidos de eneldo y se usa a menudo en la "mizeria" (ensalada de pepino/nata agria/yogur) Pimentón (papryka) - ingrediente esencial del gulash, el pimentón también es popular en las recetas polacas, ya que da un color rojo y un sabor aromático a muchos platos de carne Hojas de laurel (liście laurowe) - utilizadas a menudo en sopas, guisos y platos de carne, las hojas de laurel son hierbas esenciales para la cocina polaca. Alcaravea (kminek) - estas aromáticas semillas negras se encuentran sobre todo en el pan de centeno, al que dan el sabor característico que combina tan bien con la carne en conserva. Pero la alcaravea también se utiliza en muchos otros platos, desde el chucrut hasta las salchichas. Son un ingrediente esencial de la sopa de alcaravea. Semillas de amapola (mak) - estas semillas se espolvorean sobre todo en los panecillos, pero también son un ingrediente esencial del conocido postre polaco makowiec (pastel de semillas de amapola) y de la kutia (plato de pasta navideño). En la parte inferior del mural habría un borde ondulado de hierbas y especias ajardinadas que se encontrarían en el mural y más allá, con carteles interpretativos que indicarían el tipo de planta, sus posibles usos y el contexto cultural para el barrio y sus residentes.

Contacto Josh: jamaxwelldesigns@gmail.com

Fiesta del barrio: Sábado 20 de mayo de 2023 de 13:00 a 17:00 horas.

Conozca a Stephanie Wahome-Lassiter

Tras graduarse en la Universidad de Miami, Stephanie dirigió equipos de AmeriCorps mientras trabajaba para City Year Detroit y City Year Seattle/King County. Tras graduarse con un máster ejecutivo en liderazgo sin ánimo de lucro por la Universidad de Seattle, se convirtió en una de las fundadoras de la escuela primaria E.L. Haynes de Washington D.C., al tiempo que obtenía un máster en enseñanza por la American University. Stephanie elevó su trabajo con los jóvenes a una plataforma nacional como Directora Nacional de Educación de Scenarios USA, una organización sin ánimo de lucro con sede en Nueva York, en la que puso en marcha el programa educativo nacional y los programas regionales de Cleveland durante nueve años. Los programas educativos y cinematográficos de Stephanie apoyaban, implicaban e inspiraban a los jóvenes para que desarrollaran todo su potencial a través del poder de la educación, los medios de comunicación y la narración de historias. Se atendió a más de 15.000 jóvenes de Cleveland, se formó a 1.100 educadores en 5 planes de estudios y se rodaron 10 historias ganadoras escritas por jóvenes, que se proyectaron en festivales de cine, escuelas y el canal Showtime. Cuando la organización nacional cesó todas sus operaciones en 2017, los habitantes de Cleveland solicitaron seguir atendiendo la necesidad. Se formó un grupo de financiadores y Stephanie es ahora la directora ejecutiva de Art of Me, donde amplía el trabajo profundizando el impacto en Cleveland. Como productora ejecutiva de Art of Me, ha producido dos largometrajes y cinco cortometrajes en Cleveland y Nueva York. Stephanie es también cofundadora de All About Your Health. Una organización 100% basada en voluntarios que ha conectado a más de 11.000 jóvenes, familias y voluntarios con más de 200 programas, servicios y organizaciones en el noreste de Ohio desde 2011.

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: La Niña

La visión creativa del proyecto consiste en destacar la belleza, la inteligencia y el valor incalculable de las niñas negras y sus madres. Para ello, Stephanie creará una película sobre una niña que busca su belleza y se da cuenta de que siempre la ha tenido delante. Entrevistaré a niñas de la comunidad sobre lo que la belleza significa para ellas y cómo les gustaría verse retratadas. Después de crear un guión, haremos un casting para que los miembros de la comunidad formen parte de la producción. Mi público son chicas de secundaria y bachillerato. Planearé que las niñas de secundaria y bachillerato y sus madres participen en la película. Me gustaría que esta experiencia las animara a crear sus propios círculos de hermanas y comunidades de mujeres negras que se apoyen mutuamente a través de un grupo de Facebook, asistiendo a los eventos de las demás y apoyando sus negocios. Me gustaría que este proyecto reuniera a las mujeres y a sus hijas para celebrar nuestra belleza y diversidad como mujeres negras. Este proyecto es importante para mí porque no siempre se resalta la belleza de las niñas negras como su auténtico yo. Hay tanto odio a sí mismas y a madres e hijas que nos está afectando a muchas de nosotras. Espero que este proyecto reúna diversión, alegría y que veamos la necesidad de apoyarnos mutuamente.

Te presento a Robin Robinson:

Robin Robinson es la Directora Ejecutiva de Sankofa Fine Art Plus. Es pintora, escultora, fotógrafa y educadora, y facilita programas relacionados con la terapia artística para jóvenes y personas mayores de la comunidad de Glenville. Robin Robinson es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Temple y la Tyler School of Art. Es arteterapeuta titulada y activista comunitaria. Sus obras de arte personales han recibido numerosos elogios y premios. Robin trata de educar y exponer a la comunidad el arte afroamericano y étnico, que ofrece a la comunidad una representación visual de sus propias voces a través de murales transformadores, inspiradores y monumentales que ayudan a crear, dándoles orgullo de lugar y propiedad. Robin insiste en que todo arte público comienza con una conversación comprometida con la comunidad para establecer la confianza y el entendimiento mutuos. En 2015, Robin, convencida del poder curativo del arte, creó el programa "Urban Renaissance with heART" para Sankofa Fine Art Plus. Robin traduce a las paredes de los espacios públicos las voces no escuchadas de los residentes de los barrios menos representados a través del compromiso de la comunidad. Como directora ejecutiva de Sankofa Fine Art Plus, Robin se dedica a llevar las bellas artes fuera de los lugares tradicionales y restrictivos a la comunidad urbana en forma de proyectos y experiencias de arte público, colaborativos y co-creativos. "Como artista negra, tengo la responsabilidad de traducir las voces de mi comunidad, que de otro modo serían ignoradas, en obras de arte atractivas desde el punto de vista estético y que, al mismo tiempo, inciten a la reflexión y sean socialmente relevantes".

Proyecto del Fondo de Impacto Creativo: Recuperar el espíritu de nuestro parque comunitario

En 2020, la ciudad de Cleveland rezonificó el distrito 9 de Glenville en dos zonas distintas, creando un subdistrito conocido como Forests Hill que lo conectaba con el distrito 10. Como residente de la comunidad, Robin Robinson notó la necesidad de establecer nuevas relaciones con el concejal Anthony Hairston debido a la rezonificación, ya que las conexiones anteriores habían sido con el concejal Kevin Conwell.

Durante este tiempo, los residentes de Forests Hill se enfrentaron a las dificultades causadas por la demolición de una escuela primaria y del Centro Comunitario YMCA. Estas demoliciones dieron lugar a la creación del parque Glenview, que se había convertido en un espacio importante para las reuniones de la comunidad y las actividades juveniles. Sin embargo, el departamento de urbanismo y los arquitectos de la ciudad consideraban el parque anticuado e infrautilizado.

En 2021, los residentes de Forests Hill recibieron notificaciones a través de boletines y correos de que su parque iba a ser renovado. Estaba previsto demoler el parque infantil, las canchas de baloncesto y la piscina existentes, que iban a ser utilizados por el Distrito Regional de Alcantarillado del Noreste de Ohio (NEORSD). Los planes para el renovado Glenview Park incluían un parque infantil de última generación, una cancha de baloncesto y un campo de béisbol para la comunidad.

Sin embargo, cuando los residentes esperaban con impaciencia la finalización del parque, se encontraron con la construcción del proyecto del túnel del NEORSD. Este proyecto implicaba la instalación de una enorme barrera institucional de vinilo gris alrededor de toda la zona, que resultaba premonitoria e intrusiva. La estructura se convirtió en una monstruosidad para los residentes, evocando imágenes de una prisión o un campo de concentración.

Como defensora y especialista en el compromiso de la comunidad de Glenville/Forests Hill, Robin Robinson lleva más de una década participando activamente en el desarrollo comunitario. Reconocido por su arte público y murales, Robin entiende el impacto psicológico de la pared intrusiva en la comunidad. En consecuencia, su deseo es transformar la lona gris que rodea las instalaciones en un vibrante mural comunitario que recupere el sentido de la propiedad y la autosuficiencia, reminiscencia del orgullo que la comunidad sentía antaño por Glenview Park.

En un esfuerzo por concienciar y protestar pacíficamente contra la presencia de la barrera gris cubierta de vinilo, Robin tiene previsto organizar tres sesiones de "Paint Party in the Park" a lo largo de los fines de semana. Su intención es invitar a los miembros de la comunidad a participar en la pintura de grandes lonas que se colgarán sobre las lonas existentes en las vallas. Al sustituir la monótona escenografía por un entorno colorido y vibrante, la esperanza es convertir de nuevo la región en un espacio lleno de vida. Robin tiene la intención de contratar a dos artistas residentes de la zona de Glenville para cada taller y se asegurará de que se proporcione a los participantes todo el material necesario, aperitivos y música.